Como en otros sectores económicos, el intercambio de mercado ofrece más opciones para consumidores y productores. La famosa máxima de Adam Smith de que la división del trabajo está limitada por la extensión del mercado no se aplica menos a las artes. Los mercados más grandes admiten estilos artísticos más diversos y numerosos. El advenimiento de la grabación de música, por ejemplo, amplió el mercado y permitió que el jazz, el blues, el country, el ragtime, el gospel y el rhythm and blues llegaran a audiencias más amplias. Luego, cada género se dividió en diferentes ramas, como cuando el rhythm and blues evolucionó hacia el rock and roll, Motown, rap, soul, etc. Encontramos las mismas tendencias en la literatura. La supertienda de libros y Amazon.com ayudan a muchos escritores de nicho, no solo a los autores más vendidos, a comercializar su trabajo entre los lectores. Las técnicas de identificación y marketing de la cultura de masas ayudan a los artistas a llegar a grupos más pequeños de compradores, lo que les brinda una mejor oportunidad de ganarse la vida con su trabajo. En resumen, la cultura de masas y la cultura de nicho son complementos, no sustitutos.
Las artes también ilustran los beneficios más generales de la riqueza, un tema común en la economía. Cuanto más rica es la sociedad, más opciones tienen los artistas. A medida que aumenta la riqueza, también lo hace el número de compradores potenciales, lo que permite a los artistas elegir sus proyectos y marcharse si no les gustan los términos del encargo. El Papa tuvo que rogarle a Miguel Ángel que volviera para terminar la Capilla Sixtina porque el artista tenía muchos otros clientes potenciales en ese momento. La libertad artística, aunque rara vez absoluta, es producto de la prosperidad.
Además, la riqueza de la familia también ayudó en el lado de la oferta. Muchos artistas vivieron de la riqueza familiar durante gran parte de sus carreras. En Francia, por ejemplo, Delacroix, Degas, Manet, Monet, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Proust, Baudelaire y Flaubert dependían en cierta medida de la riqueza de sus padres. Algunos de estos creadores atacaron a la burguesía de su tiempo, a pesar de que una sociedad burguesa con su riqueza generalizada les dio su libertad artística.
La riqueza también da lugar a la caridad, fuente de financiación de las artes. En los Estados Unidos, de 1965 a 1990, el número de orquestas sinfónicas aumentó de 58 a casi 300, el número de compañías de ópera aumentó de 27 a más de 150 y el número de teatros regionales sin fines de lucro aumentó de 22 a 500. Donaciones de caridad son fundamentales para todas estas formas de arte. Los donantes individuales, corporativos y de fundaciones representan alrededor del 45 % del presupuesto de las instituciones artísticas sin fines de lucro. El doce por ciento de sus ingresos proviene solo de subvenciones de fundaciones, dos veces y media más que el Fondo Nacional para las Artes y los consejos estatales de las artes combinados.
Contrariamente a la opinión común, los incentivos comerciales que trae la riqueza no suelen corromper. Muchos artistas persiguen el lucro, pero los impulsos comerciales y artísticos no siempre están en guerra. Las cartas de Bach, Mozart, Haydn y Beethoven revelan que todos estaban obsesionados con hacer dinero. Mozart escribió en una de sus cartas: “Créanme, mi único propósito es ganar la mayor cantidad de dinero posible; porque después de la buena salud es lo mejor que se puede tener.” Charlie Chaplin comentó una vez: «Entré en el negocio por dinero y el arte surgió de él». Muchos artistas talentosos están motivados no solo por intereses personales estrechos, sino también por el deseo de ganar dinero para ayudar a sus amigos o financiar sus impulsos creativos.
Se ha exagerado la idea de que los grandes artistas de la historia se morían de hambre. Sin duda, muchos artistas obtienen bajos ingresos, en parte porque la economía de mercado brinda a muchas personas la oportunidad de probar una carrera artística: la gran cantidad de aspirantes a artistas deprime los salarios. Pero muchos artistas se han ganado la vida vendiendo sus productos al público o ganándose la lealtad de los clientes. Miguel Ángel y Rafael fueron hombres ricos en su tiempo; de hecho, la mayoría de los artistas del Renacimiento italiano tuvieron éxito comercial. De manera más general, los artistas más famosos cobraron un alto precio por sus vidas. Shakespeare trabajó en el mundo del teatro con fines lucrativos y no necesitaba patrocinio.
Incluso cuando los artistas no pueden permitirse el lujo de hacer arte para ganarse la vida, una economía capitalista les brinda la mejor oportunidad de tener un segundo empleo. TS Eliot trabajaba en el Lloyd’s Bank, James Joyce enseñaba idiomas, Charles Ives y Wallace Stevens eran ejecutivos de seguros y William Faulkner trabajaba en una central eléctrica. Todos ellos lograron crear, ya sea en el trabajo o en su tiempo libre.
Así como el progreso tecnológico ha ayudado a crear nuevas industrias y más opciones para los consumidores en otras áreas de la economía, también lo ha hecho el arte. Damos por sentado el papel barato, pero las artes del Renacimiento florecieron solo cuando el papel se volvió lo suficientemente barato para que la mayoría de los artistas lo pagaran. Los impresionistas franceses utilizaron nuevos colores, basados en nuevas investigaciones científicas sobre productos químicos, que surgieron de la revolución industrial. El rock and roll requería la guitarra eléctrica y el estudio de grabación avanzado. Mientras que John Keats, Mozart y Schubert murieron jóvenes de enfermedades como la tuberculosis, los avances médicos permiten a los artistas modernos vivir más y producir más.
Por otro lado, el economista William Baumol, uno de los primeros en escribir sobre la economía de las artes, sugirió que las artes escénicas están “tecnológicamente estancadas”, lo que no permite mejoras significativas en la productividad. Señaló que todavía se necesitan treinta minutos para cuatro personas para tocar un cuarteto de cuerdas de Mozart. A medida que aumentan los salarios reales en una economía en crecimiento, por lo tanto, argumentó Baumol, el costo salarial de un cuarteto de cuerdas de Mozart aumentará. Pero Baumol ignoró otros aspectos de la tecnología que hacen que estos cuartetos sean económicamente más viables. La radiodifusión moderna, por ejemplo, hace que estos cuartetos estén disponibles no solo para cientos de personas a la vez, sino para millones. Y una de las razones por las que esta es una «edad de oro» para los cuartetos de cuerda de primer nivel es que los viajes aéreos les permiten actuar en todo el mundo y reclutar miembros de diferentes países y continentes. El Kronos Quartet contemporáneo interpreta tanto a Bartok como a Jimi Hendrix, basándose en nuevas ideas que son posibles gracias al crecimiento de los mercados y la tecnología.
El tema del libre comercio se resolvió hace mucho tiempo en economía: el comercio es bueno (ver libre comercio). Pero solo recientemente la globalización del arte ha atraído mucha atención. Argumentando en contra de los principios de Adam Smith, muchos críticos como Benjamin Barber argumentan que el comercio cultural nos está trayendo una cultura del mínimo común denominador: Reebok, McDonald’s y programas de televisión malos. La evidencia, sin embargo, apoya el libre comercio en las artes. El comercio ha hecho mucho para fomentar la diversidad internacional, así como para apoyar la diversidad dentro de las fronteras de un solo país. El Tercer Mundo ha producido muchos autores y cineastas notables en las últimas décadas. Gabriel García Márquez, Naguib Mahfouz, VS Naipaul y John Woo son productos de la cultura globalizada cuyo arte no podría existir sin un importante comercio internacional. El cuchillo de metal, un producto de Occidente, es una bendición para los escultores y escultores pobres de todo el mundo, al igual que las pinturas acrílicas y los lienzos lo son para las nuevas formas de artes visuales. La música del mundo floreció en el siglo XX, principalmente en ciudades abiertas y cosmopolitas como Lagos, Río de Janeiro y La Habana precastrista. Muchos creadores del Tercer Mundo se ganan la vida vendiendo sus productos a consumidores occidentales ricos. El poder adquisitivo occidental ha sido fundamental para el arte naif haitiano, la música reggae jamaicana, el tejido navajo y el auge de las alfombras persas de finales del siglo XIX, entre muchos otros movimientos artísticos.
Como el comercio tiende a hacer que los países sean más similares, las naciones pueden parecer menos diversas. Pero los países se vuelven más similares de una manera en gran medida beneficiosa al desarrollar un menú variado de opciones culturales. Ahora puedes comprar sushi en Alemania y Francia, pero eso difícilmente cuenta como destrucción cultural. Las personas tienen una mayor oportunidad de seguir los caminos culturales de su elección. Así, mientras disminuyen las diferencias entre sociedades, aumenta la diversidad dentro de una sociedad determinada.
Así como el comercio mejora las artes, las restricciones al comercio las perjudican. El proteccionismo cultural francés, originalmente impuesto por el gobierno de Vichy y los nazis, fue mantenido por los franceses después de la guerra. Antes de esta época, la cultura francesa, incluido el cine francés, floreció en gran medida en condiciones de libre comercio. A medida que aumentaron los subsidios y el proteccionismo, el cine francés sufrió crecientes dificultades económicas.
Los partidarios de los subsidios argumentan que apoyar las artes es intrínsecamente valioso o que los subsidios al arte aportan beneficios sociales o económicos adicionales. Los críticos de los subsidios cuestionan ambos supuestos: confiar en el mercado, dicen, puede brindarnos un mejor menú de opciones. Las artes en los Estados Unidos reciben subsidios directos mucho más bajos que los de Europa occidental. El presupuesto del National Endowment for the Arts nunca superó los 170 millones de dólares (y en 2003 fue de sólo 115 millones de dólares), mucho menos que el presupuesto de muchas películas de Hollywood. Sin embargo, las artes estadounidenses son económicamente más sanas en muchos sentidos debido a sus fuertes raíces comerciales.
Así como la regulación gubernamental ha ralentizado la innovación en industrias como las aerolíneas y los camiones, los reguladores gubernamentales han tratado de ralentizar la innovación en las artes. Afortunadamente, el gobierno fracasó. Muchas de las innovaciones culturales más importantes de Estados Unidos, como el jazz, Hollywood y el rock and roll, prosperaron frente a la oposición del gobierno. En ocasiones, el gobierno de los EE. UU. trató de censurar estas formas de arte o impuso un trato legal especialmente duro a creadores destacados (p. ej., Alan Freed, Chuck Berry y James Brown).
En resumen, la economía de las artes refleja verdades económicas más generales. Las artes son a menudo “especiales” en nuestros corazones, pero el análisis económico sugiere que el aumento de la riqueza, la comercialización y la globalización son buenos tanto para las artes como para quienes las disfrutan.
